2013 Galeria Hebraica
Territórios Afetivos - São Paulo - Brasil
Textos
Affective Territories
Those who know the work of Nair Kremer immediately understand the meaning of the homage she pays to the writer Clarice Lispector - so many coincidences that bounds them. In both, the work construction happens permanently, which is: the migrated fragments are removed from their original place, resettled in the composition of new objects - textually and plastically - and are constantly asked to be framed and re-framed.
There’s in this combination process, beyond the constant dialogue within the physical space, the searching for something that is permanently not there. And despite joining and re-joining the fragments, there´s no conclusion reached in a single object that carries the entire meaning. This coincidence by itself would be enough to justify this homage, so many years after the writer´s death.
Especially in the woks exhibited there, it´s necessary to look for a more symbolic and formal aspect: the variety of the printed background helps to create a differential in the repetition of the writer’s images, imposed as other images of herself.
Berta Waldman
Granddaughters at my exhibition
I see myself as a child that goes to the family and say: “Look what I’ve done!"
It happened when I saw my beautiful granddaughters Maya and Dana spontaneously dancing in silence among my artwork. I saw them wearing a black veil, dancing softly between gestures and works, and moreover, I was touched.
Perhaps there are those who think that family and art do not mix. I thought about it many times, but in many others, without realizing it, I gathered children and grandchildren in art installations, museums, art tours. Memories that remain in photos are only a part of it.
You may think I’m only talking about the exhibition in honor to Clarice - an artist and woman like me. Artists and mothers, both born on December 10th. In that exhibition, I revisited Clarice and in doing so, I reviewed things that I thought, lived, drew, painted… Each on works as a fragment of a process, a story, a life pendulum that comes and goes.
Seeing the girls among my images, my memory somehow swayed between times and stories. I felt that in that moment the oscillation had sometimes reached what seemed impossible: conciliation.
Between family and art, between the past and future, between the offspring and ancestry, between the person (and artist) that I have been and to which, in spite of everything, I will continue to be.
I thank everyone for the patience that you lived with.
Thanks to the girls.
I’m happy with my processes and in doing so, as a child, I come here to share it with each one of you.
Nair Kremer
SHADOW AND MULTIPLICITY
Nair Kremer honours Clarice Lispector
Those who know the work of Nair Kremer understands the meaning of the honor that she pays to the writer Clarice Lispector, many are the bounds that unite them. We begin with the creation process. In both the construction work is done by adding, i.e. migration fragments taken from their original place, reinstalled in the composition of new textual and visual objects, asked to be reinterpreted.
According to this constructive principle, it is observed, for example, in Nair Kremer´s work, the same female figure represented in a two metre sculpture, in an installation, in a painting and cropped in a miniaturized metal sculpture, hold by a support that reduces its size even further, romantically pointing to the modern world oppression. We can also see the same tiny figure, hidden in an intimate space, which forces the viewer to change the pace to reach it closely.
There's in this combination process, beyond the constant dialogue within the physical space, the searching for something that, however, it is not there, since the joining and re-joining of the fragments, there’s no conclusion reached on a single object that carries the entire meaning. Thus, the female figure that diachronically runs through Nair’s work, placed in different positions and in different sizes, is a shadow that touches the unsaid.
In both Nair and Clarisse, there’s this indirect path, the deviation that is established as a working method that requires them to always return to their initial point. The restless breath made of "twists" that casts objects in layers of meanings, and at the same time it fills the stimulus for a constant beginning.
In the comings and goings, the dialogue that Nair takes is not only inbreeding, or facing her own work. There are ranges of references, whose origins are linked to a modernist tradition that dates the beginning of the Century, with the collaged sculpture of Picasso, Gonsalez, Tatlin or Rauchenberg. The paintings of fantastic cities and robotic figures bring to the scene the dialogue with the Surrealists and especially with Max Ernst. Partner of Jackson Pollock in the gestural painting, Nair prints her personal rhythm to the images that deepen and escape from the surface of the frame. The "pop" art is presented, for example, in Clarice´s multiples displayed on the newspaper. An allusion to "optical art" can be caught in the impossible geometries, where the boundaries between internal and external space are puzzled.
The dialogue in different directions creates circular effects and echoes voices that haunt both Clarice´s fictions and the visual work of Nair. In both cases, paradoxically, the images always multiply, deny, enhance, increase, incorporate, decrease, go drift and seek.
In Clarice Lispector´s fiction, the limits, the imprisonment that is bound to the human condition and the desire for unlimited freedom that pursues her is always exposed to the success and failure. Failure is the stigma that the writer carries. Between reality - her raw material - and language. The way she goes searching without finding it- her effort is to seek, but returning empty-handed. With the unsayable. “The Unspeakable can only be given to me by the failure of my language. Or when the construction failures in getting what it wants.”(The Passion According to G. H., p. 178).
While appoints and designates, the word gives rise to its shadow, the multiplicity of what has no name. It betrays what is said and it’s faithful when mute. So it´s needed to polish the lines, hit the line and increase the silence around the word. Scattered, mangled, the language reflects the emptiness of the subject looking for its image and from a lost totality of the lived world.
It can be assumed from the prolixity of the expressive forms that Nair Kremer touches her hand - collage, woodcut, shape, or using the emptiness of the form where she also searches restlessly for something that tries to flee from her, that doesn´t allow to be touched or represented, signing up herself in this kind of "aesthetics of failure," betraying what it achieves to be represented.
"What I cannot say," said Clarice Lispector, "is more important than what I say. /.../ Each time I write with fewer words. My best book will happen when I do not write at all "(Olga Borelli, Clarice Lispector: Sketching for a possible portrait, p 85)...
Although the aesthetic program of Clarice Lispector has the silence as a horizon, the non-book, she is excessive in the writing exercise that redoubles and writhes to be brought to the limit of its expressiveness. Nair also meets Clarice there, because her art experiences the most impressive oppositions: the ambivalence between "poor" material usage resulting in richly coloured vision; the expression that unites joy and sense of disaster, lyricism and apocalyptic images, all record excess, marked also by the objects that the author puts out of the work site(one mermaid, a vase, a tree branch), signalling for something that is not achieved represented, and, of course, to propose a reinterpretation by the proximities game.
With this parallel I justify the legitimacy of the tribute that now Nair Kremer is due to Clarice Lispector, many years after of the writer´s death.
Berta Waldman
Campinas, June 1996.
São Paulo, December 2013 (revised text)
Interview for the Hebraica Magazine
"I decided to exhibit at Hebraica because I have five granddaughters and a grandson studying at the ALef School. It is a tribute to them," says Nair Kremer in the opening of her exhibition, which is at the Art Gallery until February 18th.
The artist has a career of international experience. Her taste for art began late at 32, rewarded with works and exhibitions in Brazil, Israel and Europe and especially in the USA where there are works in the NW university collection, one more dedication to art therapy and art education. Nair became a member of the Hebraicain the middle of last year because of her grandchildren. Nair is delighted with the surrounded green, the Art Gallery and the atmosphere of the grandchildren. She feels happy at the club, where she was surprised by her husband, Aron Kremer, with a birthday party on the opening day of the exhibition "Affective Territories". It was there, in the midst of her world with the writer Clarice Lispector, that the artist gave this interview to the Hebrew magazine.
Hebrew Magazine: What attracted you to the writer? How fast have you entered Clarice´s world?
Nair Kremer: I have not met Clarice. The way she writes, how she expresses herself is what attracted me. In the book Água Viva (Living Water), the creative process of it impressed me, as was aligned with my creative process. Recently, taking a group course with José Wisnik, read again “the Passion According to G. H”, there we analyzed the text and the work held me. In this exhibition, I focused on this book and the story "O ovo e a galinha “(The egg and the chicken). There are modules, buildings and female figures as if they were in a maze.
Hebrew Magazine: What converges and what separates both works, the work of Clarice and Nair?
Nair Kremer: It was reciprocal. I lived in Campinas, I had a wide trajectory, and Berta Waldman came to visit me. She had this perception; I had read the Clarice books but had not made the connection.My figures move and migrate from place to place as well as Clarisse´s texts
Hebrew Magazine: Since when did the idea of "doing" Clarice?
Nair Kremer: From time to time, I dohomages: In 1985, "Returning to the Magical World" was an installation representing Israel at the 18th International Biennial of São Paulo,it was an allegory to Matisse´s work "Joy of Life”. I made one for the Romanian poet Paul Celan, little known in Brazil, it was an exhibition in Cologne, Germany; another went to Walter Bejamin, at SESC Pompeia; I made one for the Israeli writer A.B.Yeoshua after reading created the "Mrs. Manie ". In September 2013, it was time to honor Hana Harendt, with an interactive installation in Berlin with the title "Between the Past and the Future - Forgetting to Remember", in which people answered a questionnaire in order to make them think, reflect and reason. My intention was to find out what makes people follow the masses.
This exhibition at the club is the most conventional I did recently. I already sold ten works and by the end, the February 18th, I hope to sell others. My motto, in this show is a "Clarice in every home."
Hebrew Magazine: Why is the variety of techniques in the show?
Nair Kremer: It is intentional, I cannot make in only one. If you look, there´s unity but the mediums are different; it is not to be monotonous. There are serigraphs, direct in the paper and coated paper with ink, there are oil on paper, installations and there are the hidden women. It is an architectural construction to give life to what I saw in the book “ thePassion According to G. H.”. I always wanted to go for something new and there comes the difficulty of how to situate this new, which leads to questioning the existential loneliness.
I am very happy. There are a lot of affection here, unlike a museum; the relationship with the public is very close. Awoman came and said she read in the magazine about the exhibition and wanted to tell me that she worked with my father in the Zionist Organization. I got emotional. Only at the Hebraica it could happen. Many people came because they read the magazine. This exhibition is a gift for my granddaughters and grandsons, I did not think about receiving so many great reactions from people.
Hebrew Magazine: How was your career when you began being an artist?
Nair Kremer: I was born in Brazil and moved to Israel. I started painting in 1971, with 32 years I was self-taught until the age of 40 when I left to study and lived in Bror Chail Kibbutz in Israel. There, I was a chemistry, my original profession, and worked in the kibbutz factory. I wanted to study, to do a PGD or something new. I did a practical test and showed some interest in art history. For four years, I studied Art Therapy and Art education at The Art Teachers Training College, along with painting they became my new profession. The recognition of my work was very fast in the kibbutz movement.
In 1975, I came back to Brazil and exhibited in this gallery, and at MASP, where BardiProfessor liked the series that focused on the Yom Kippur War. Theywereoilpaintings.
Ten years later, Dani Karavan, Menashe Kadishman, TzibiGueva and I came representing Israel at the Biennial. For family reasons, I was here. At that time, the art world was not like today, there was a strangeness, I did an exhibition at the Museum of Rio de Janeiro and the criticsdid not expressed. It was hard to relate to this kind of art, installations, and murals.
I began to devote myself to art education in the outskirts of São Paulo, in the House of Zezinho, which helps children and low-income adolescents, seeking in the education and culture the central focus of sociability; and Anchieta Project, which helps families in vulnerable social situation, with education infrastructure. I like to trigger creative processes in others, it is very important to me. This work is documented in the Displacements book, published by Edusp and Official Press, launched at Pinacoteca do Estado de São Paulo. After an exhibition in Germany last year, I was invited by the International Organization Janus Korczak to give a workshop in Amsterdam, in Netherlands.
In the presentation of "Affective Territories", so wrote Berta Waldman, the author of the article "By crooked lines: the Judaism in Clarice Lispector": "Dialogues in different directions favour circular effects, like echoing voices, which haunt both Clarice´sfiction and the artistic work of Nair. In both cases, paradoxical, it is always questioned how images multiply, deny, enhance, increase, incorporate, decrease, go adrift, and seek. "
This exhibition is like a return to origins for Nair. She hostsart critics, art scholars, associates and friends. It happened so at the opening of the show, with people interacting, each in its own way, with Clarice Lispector´s universe discovered in the works. Nair likes to show, add a detail at the least familiar observer with the writer. She speaks with the same emphasis of her creative side and involvement with art education, the artist and the educatorare tied through art.
This is the prominence given by AmnonBarzel, critic from ThePratto Museum, in Italy, and director of the Jewish Museum in Berlin, "Nair chooses an existential and social reflection through art. A search of the other mitigating to a large existential loneliness. "
Territórios afetivos: homenagem a Clarice Lispector
Quem conhece a obra de Nair Kremer entende imediatamente o sentido da homenagem que ela faz à escritora Clarice Lispector, tantas as coincidências que as unem. Em ambas, a construção da obra se dá por acréscimo, isto é, fragmentos migratórios são retirados de seu lugar de origem, reinstalando-se na composição de novos objetos textuais e plásticos, que pedem para ser constantemente re-significados.
Há nesse processo de justaposição, além de um constante diálogo com o espaço físico, a procura de algo que, no entanto, não se encontra, uma vez que, ao juntar e re-juntar os fragmentos, não se chega à coincidência, num objeto único, de um signo que carregue sua significação. Essa coincidência por si só seria suficiente para justificar essa homenagem tantos anos após a morte da escritora.
Especialmente nas obras expostas nesta ocasião, há que se observar mais um aspecto simbólico e formal: a variedade de fundo imprime uma diferença na repetição das imagens de Clarice Lispector, que se impõem como outras de si mesmas.
Berta Waldman
Curadora
Netas na Exposição
Me vejo como uma criança que chega dizendo “Ei, família! Vejam só o que eu fiz!”
Aconteceu que vi minhas netas, Maya e Dana, lindas!, dançando em silêncio espontaneamente dentro do meu trabalho. Vi as duas com um véu preto, bailando suave entre gestos e obras e, mais do que nunca, me emocionei.
Talvez haja quem pense que família e arte não se misturam. Eu mesma em muitos momentos pensei. Em outros tantos, sem perceber, reuni filhos e netos em instalações, museus, passeios com arte. As memórias, os resquícios em fotos, são apenas uma parte.
Talvez pensem que estou falando somente daquela exposição em homenagem à Clarice, artista e mulher como eu. Artistas e mães, nascidas em 10 de dezembro. Naquela exposição revisitei Clarice e ao revisitá-la revi coisas que pensei, passei, desenhei, pintei... Cada trabalho que é apenas um recorte de um processo, de uma história, um pêndulo vital que vai e vem.
Ao ver as meninas entre minhas imagens de alguma forma passeei entre tempos e histórias. Senti que naquele instante a balança, até ali oscilante, alcançou o que parecia impossível: a conciliação.
Entre a família e a arte, entre o passado e o futuro, entre a descendência e a ancestralidade, entre a pessoa (e artista) que fui e a que, apesar de tudo, vou continuar a ser.
Agradeço a cada um a paciência de conviver com isso.
Agradeço às meninas.
Estou contente com meus processos e é isso que, como criança, venho aqui compartilhar com cada um de vocês.
Nair Kremer
A SOMBRA E A MULTIPLICIDADE:
Nair Kremer homenageia Clarice Lispector
Quem conhece a obra de Nair Kremer entende o sentido da homenagem que ela ora faz à escritora Clarice Lispector, tantos são os fios que as une. Comecemos pelo processo de criação. Em ambas, a construção da obra se faz por acréscimo, isto é, fragmentos migratórios retirados de seu lugar de origem, reinstalam-se na composição de novos objetos textuais e plásticos, que pedem para ser ressignificados.
Segundo esse princípio construtivo, observa-se, por exemplo, na obra de Nair Kremer, a mesma figura feminina representada numa escultura de dois metros que compõe uma instalação, reaparece sorrateira numa pintura e prossegue viagem até chegar a recorte em metal miniaturizado, erguida por um suporte metálico que diminui ainda mais seu tamanho, apontando romanticamente para a opressão do mundo moderno. Podemos ver, ainda, a mesma figura diminuta, escondida num espaço intimista, que obriga o espectador a mudar o seu ritmo, para alcançar vê-lo.
Há nesse processo de justaposição, além de um constante diálogo com o espaço físico, a procura de algo que, no entanto, não se encontra, uma vez que ao juntar e re-juntar os fragmentos, não se chega à coincidência, num objeto único, de um signo que carregue sua significação. Assim, a figura feminina que percorre diacronicamente a obra de Nair, posta em diferentes posições e em diferentes medidas, é uma sombra que tateia o indizível. É por esse viés que ela se aproxima de Lispector.
Pelo caminho indireto, pelo desvio, institui-se esse método de trabalho que as obriga a voltar sempre, minuciosamente, às próprias coisas. Esse fôlego infatigável é feito de “voltas” que lançam os objetos em vários estratos de significação, ao mesmo tempo que alimenta o estímulo para um perpétuo recomeço.
Nessas idas e vindas, o diálogo que Nair empreende não é só o endogâmico, voltado para sua própria obra. Há nela referências em leque, cujas origens estão vinculadas a uma tradição modernista que vem desde o início do século, com a escultura colagística de Picasso, Gonsalez, Tatlin, indo até Rauchenberg. As pinturas de cidades fantásticas e de figuras robotizadas trazem para a cena o diálogo com os surrealistas e, principalmente, com Max Ernst. Parceira de Jackson Pollock na pintura gestual, Nair imprime seu ritmo pessoal às imagens que se aprofundam e escapam da superfície do quadro. A arte “pop” está presente, por exemplo, nos múltiplos de Clarice Lispector reproduzidos sobre o jornal. Uma alusão à “optical art” pode ser surpreendida nas geometrias impossíveis, onde os limites entre espaço interno e externo se confundem.
Esses diálogos em diferentes direções favorecem os efeitos circulares, as vozes em eco, que assombram tanto a ficção de Clarice quanto a obra plástica de Nair. Nos dois casos, paradoxais, sempre questionadas, as imagens se multiplicam, negam, intensificam, aumentam, incorporam, diminuem, caminham à deriva, procuram.
Na ficção de Clarice Lispector, os limites, o aprisionamento a que está fadada a condição humana e o desejo de liberdade ilimitado que a persegue expõe-se sempre à sanção e ao fracasso. O fracasso é o estigma que a escritora carrega. Entre a realidade, sua matéria prima, e a linguagem – o modo como vai buscá-la e não a encontra –, o seu esforço é o de buscar, mas voltar com as mãos vazias. Com o indizível. “O indizível só me poder dado através do fracasso de minha linguagem. Só quando falha a construção é que obtenho o que ela conseguiu”. (A Paixão Segundo G.H., p. 178).
Enquanto nomeia e designa, a palavra faz surgir, à sua sombra, a multiplicidade do que não tem nome. Ela trai no que alcança dizer e é fiel quando silencia. Por isso é preciso lapidar as entrelinhas, golpear a linha e aumentar o cerco de silêncio que rodeia a palavra. Dispersa, mutilada, a linguagem espelha o vazio do sujeito à procura da própria imagem e de uma totalidade perdida do mundo em que vive.
Pode-se supor, a partir da prolixidade das formas de expressão de que Nair Kremer lança mão, - colagem, recorte, relevo, utilização do vazio da forma deixado pela forma, que também ela procura incansavelmente alguma coisa que lhe escapa, que não se deixa tocar ou representar, inscrevendo-se também ela nessa espécie de “estética do fracasso”, que trai no que alcançar representar.
“O que não sei dizer”, afirma Clarice Lispector, “é mais importante do que o que eu digo. /.../ Cada vez escrevo com menos palavras. Meu livro melhor acontecerá quando eu de todo não escrever.” (em Olga Borelli, Clarice Lispector: Esboço para um possível retrato, p. 85).
Embora o programa estético de Clarice Lispector tenha como horizonte o silêncio, o não-livro, ela é excessiva no exercício de uma escrita que se redobra e se contorce para ser conduzida ao limite de sua expressividade. Também aí Nair se encontra com Clarice, pois sua arte experimenta as mais impressionantes oposições: a ambivalência entre o uso de material “pobre” resultando numa visão ricamente colorida; a expressão que une alegria e sensação de desastre, lirismo e imagens apocalípticas, tudo isso no registro do excesso, marcado, ainda pelos objetos que a autora coloca fora das margens da obra (uma sereiazinha, um vaso, um galho de árvore), sinalizando para alguma coisa que não se alcança representar, além, é claro, de propor uma ressignificação pelo jogo das contiguidades.
Com esse paralelo justifico a legitimidade da homenagem que ora Nair Kremer faz à Clarice Lispector, tantos anos após a morte da escritora.
Berta Waldman
Campinas, junho de 1996.
São Paulo, dezembro de 2013 (texto revisto)
“Resolvi expor na Hebraica porque tenho cinco netas e um neto estudando na Escola Alef. É uma homenagem a eles”, afirma Nair Kremer na abertura de sua exposição, que está na Galeria de Arte até 18 de fevereiro
A artista plástica tem carreira e vivência internacionais. Seu gosto pela arte começou tardiamente, aos 32 anos recompensado com trabalhos e exposições no Brasil, em Israel e na Europa e principalmente no USA onde tem trabalhos na coleção nw university, mais a dedicação à arte-terapia e arte-educação. Nair se tornou sócia da Hebraica em meados do ano passado por causa dos netos, que estão na Escola Alef. Se encanta com o verde ao seu redor, o ambiente da Galeria de Arte e o corre-corre dos netos. Ela se sente feliz no clube, onde foi surpreendida pelo marido, Aron Kremer, com uma festa de aniversário, no dia em que inaugurava a exposição “Territórios Afetivos”. Foi nesse local, em meio a seu mundo com a escritora Clarice Lispector, que a artista deu esta entrevista à revista Hebraica.
Revista Hebraica: O que lhe atraiu na escritora? Como você entrou no mundo de Clarice?
Nair Kremer: Não conheci Clarice. A forma de escrever, como ela se expressa é que me atraiu. No livro Água Viva, o processo criativo dela me impressionou, pois batia com meu processo criativo. Fazendo recentemente um curso num grupo com José Wisnik, li novamente a Paixão Segundo G.H., analisamos o texto e a obra me prendeu. Nesta exposição, me foquei nesse livro e no conto “O Ovo e a Galinha”. São módulos, construções e figuras femininas como se estivessem num labirinto.
Revista Hebraica: No que converge e no que se afasta o trabalho das duas, Clarice e Nair?
Nair Kremer: É recíproco. Fui morar em Campinas, tinha uma vasta trajetória, e a Berta Waldman foi me visitar. Ela teve essa percepção, eu tinha lido os livros de Clarice, mas não fizera a conexão.
As minhas figuras se deslocam e migram de lugar para o outro assim como os textos de Clarisse
Revista Hebraica: Desde quando surgiu a ideia de “fazer” Clarice?
Nair Kremer: De tempos em tempos, faço homenagens. Em 1985, a instalação “Retorno ao Mundo Mágico”, representando Israel na 18ª Bienal Internacional de São Paulo, era uma alegoria à obra “Alegria de Viver”, de Henri Matisse. Fiz uma para o poeta romeno Paul Celan, pouco conhecido no Brasil, numa exposição em Colônia, Alemanha; outra foi para Walter Bejamin, no Sesc Pompeia; fiz uma para o escritor israelense A.B.Yeoshua, após ler criei a “Sra. Manie”. Em setembro de 2013, foi a vez de homenagear Hana Harendt, numa instalação interativa em Berlim com o título “Entre o Passado e o Futuro Esquecer de Lembrar”, na qual as pessoas respondiam um questionário que as fazia pensar, refletir e raciocinar. Minha intenção era saber o que faz as pessoas seguirem as massas.
Esta exposição no clube é a mais convencional que fiz nos últimos tempos. Já vendi dez trabalhos e até o final, em 18 de fevereiro, espero vender outros. Meu lema, nesta mostra, é “uma Clarice em cada casa”.
Revista Hebraica: Por que a variedade de técnicas nessa mostra?
Nair Kremer: É intencional, não aguento fazer uma coisa só. Se você olhar, tem uma unidade, porém os suportes são diferentes, é para não ser monótono. Tem serigrafias, diretas no jornal e no papel couchê com tinta, tem óleo sobre papel, diferentes instalações e tem as mulheres escondidas. É uma construção arquitetônica para dar vazão àquilo que percebi no livro Paixão Segundo G.H. Sempre quero ir para algo novo e ai entra a dificuldade de como situar esse novo, o que leva à questão da solidão existencial.
Estou muito contente. Aqui tem muita afetividade, diferente de um museu, a relação com o público é muito próxima. Veio uma senhora, disse que leu na revista sobre a exposição e queria me contar que trabalhou com meu pai na Organização Sionista. Fiquei emocionada. Só na Hebraica isso poderia acontecer. Muita gente veio porque leu na revista. Esta exposição é um presente para minhas netas e netos não pensava em receber tantas reações legais das pessoas.
Revista Hebraica: Qual sua trajetória quando começou a carreira artística?
Nair Kremer: Nasci no Brasil e fui morar em Israel. Comecei a pintar em 1971, 32 anos-fui auto-didata até os 40 anos quando sai para estudar e morava no Kibutz Bror Chail, em Israel. Lá, eu era química, minha profissão original, e trabalhava na fábrica do kibutz. Eu queria estudar, fazer uns pós ou algo novo. Fiz um teste de aptidão e apareceu o interesse pela história da arte. Durante quatro anos, cursei Arte-terapia e Arte-educação no The Art Teachers Training College, paralelamente a pintura se tornou minha nova profissão . O reconhecimento ao meu trabalho foi muito rápido dentro do movimento kibutziano.
Em 1975, voltei e expus aqui, nesta galeria, e no Masp, onde o professor Bardi gostou muito da série que enfocava a Guerra de Yom Kipur. Eram pinturas a óleo.
Dez anos depois, Dani Karavan, Menashe Kadishman, Tzibi Gueva e eu viemos representando Israel na Bienal. Por motivos familiares, fiquei por aqui. Nessa época, o mundo das artes não era como hoje, houve um estranhamento, fiz uma exposição no MAM do Rio de Janeiro e a crítica não se manifestou. Era difícil relacionar-se com esse tipo de arte, de instalações, murais.
Passei a me dedicar à arte-educação na periferia paulistana, na Casa do Zezinho, que atende crianças e adolescentes de baixa renda, buscando na educação e na cultura o foco central da sociabilidade, e no Projeto Anchieta, que atende famílias em situação de vulnerabilidade social, com infraestrutura de educação. Gosto de desencadear processos criativos no outro, é muito importante para mim. Esse trabalho está documentado no livro Deslocamentos, editado pela Edusp e Imprensa Oficial, lançado na Pinacoteca do Estado de São Paulo. Após a exposição na Alemanha, no ano passado, fui convidada pela Organização Internacional Janus Korczak para dar um workshop em Amsterdã, na Holanda.
Na apresentação de “Territórios Afetivos”, assim escreveu a livre-docente da USP Berta Waldman, autora do artigo “Por linhas tortas: o judaísmo em Clarice Lispector”: “Diálogos em diferentes direções favorecem os efeitos circulares, as vozes em eco, que assombram tanto a ficção de Clarice quanto a obra plástica de Nair. Nos dois casos, paradoxais, sempre questionadas, as imagens se multiplicam, negam, intensificam, aumentam, incorporam, diminuem, caminham à deriva, procuram.”
Esta exposição é como um retorno às origens para Nair. Ela recebe críticos, estudiosos da arte, associados e amigos. Aconteceu assim na abertura da mostra, com as pessoas se interando, cada uma a seu modo, com o universo de Clarice Lispector descoberto nas obras. Nair gosta de mostrar, acrescentar um detalhe ao observador menos familiarizado com a escritora. Ela fala com a mesma ênfase de seu lado criativo e do envolvimento com a arte-educação, a artista e a educadora se encontram através da arte.
Esse é o destaque que dá Amnon Barzel, crítico do Museu do Pratto, Itália, e diretor do Museu Judaico de Berlim: “Nair opta por uma reflexão existencial e social por meio da arte. Uma busca do outro como atenuante para uma grande solidão existencial”.